El nacimiento del cine y primeros pasos

El nacimiento del cine
LA PERSISTENCIA RETINIANA es la característica de la visión humana que hace posible el cine y la televisión.
La persistencia retiniana es un fenómeno fisiológico que se conoce, al menos, desde el siglo II, en el que el sabio griego Ptolomeo descubrió que el ojo humano retiene las imágenes durante un breve tiempo.

El nacimiento del cine.


La persistencia retiniana varía en función de la intensidad de la luz que impresiona la retina. Con iluminaciones fuertes se valúa en 1/48 de segundo, mientras que en las débiles es de 1/20 de segundo. Se trata de una especie de inercia en la regeneración del pigmento, que se decolora durante el proceso de visión. Un astrónomo inglés, Sir John Frederick William Herschel, y un geólogo irlandés, William Henry Fitton, demostraron el principio de la persistencia retiniana y ello les sirvió para idear su TAUMATROPIO, que consistía en un disco de cartón en una de cuyas caras estaba dibujado un pájaro, y en la otra, una jaula; dos cordones sujetaban el cartón y, al hacerlo girar rápidamente enroscando o desenroscando esos cortones, se veían al pájaro dentro de la jaula.
Este principio, explicado en un libro por el físico y matemático belga JOSEPH-ANTOINE-FERDINAND PLATEAU —quien demostró que con una frecuencia de dieciséis imágenes por segundo, el espectador no apreciaba los negros intermedios y creía ver una única imagen en movimiento— hizo posible su aplicación a numerosos aparatos que se consideran como precursores del cinematógrafo: el zootropo, el phenakitiscope, el fusil fotográfico, el praxinoscopio o teatro óptico, el kinoptikon, el kinetographo, o el quinetoscopio, por ejemplo, hasta llegar al cinematógrafo.
Gracias a la persistencia retiniana, el ojo humano, al contemplar unas imágenes que se suceden al ritmo de 24 por segundo —en el cine mudo, a 16 imágenes pos segundo—, funde cada una de ellas con la siguiente y la mente humana, para salvar la mínima diferencia existente entre ellas, cree ver que las figuras retratadas realizan los movimientos necesarios para explicar esa diferencia, con lo que restituye a las imágenes estáticas el movimiento que efectuaron las originales.
Para llevar a cabo este proceso, la cámara cinematográfica hace una serie de fotografías instantáneas, cada una de las cuales fija un instante determinado de lo que acaece ante ella. Cuando se procede a la proyección de esas fotografías —fotogramas—, cada una de esas fotografías se mantiene proyectada sobre la pantalla un periodo de tiempo del orden de 1/48 de segundo, intercalándose entre una y otra un intervalo de oscuridad imperceptible por la persistencia retiniana durante el cual se procede a la sustitución de un fotograma por el siguiente. El conjunto de fotogramas componen la película cinematográfica, una larga cinta de material flexible y transparente que sirve de soporte a una o más capas de emulsión sobre las que se fijan una serie de fotografías.
Dichas fotografías son ampliadas por un aparato óptico, el proyector, que las proyecta sobre una pantalla.
BREVE RECORRIDO POR LA HISTORIA
• LA CÁMARA OSCURA es una habitación sumida interiormente en la oscuridad y en la que un pequeño orificio circular, abierto en una de las paredes, deja penetrar un haz de rayos luminosos que produce en la pared opuesta la imagen invertida y coloreada de cuanto se encuentre al exterior, iluminado y frente a ese orificio.
La cámara oscura, conocida también como cámara negra y cámara lúcida, tuvo precedentes en el Egipto de los faraones, pero la más antigua descripción de la misma que se conoce es del siglo IX y se debe al astrónomo árabe Al-Kindi (Abul Yusef Ibn Isaac). Vuelve a hacerlo otro astrónomo árabe, Al-Hazen (Abul Ali al-Hassan ibn al-Haïfan), traductor de Ptolomeo, y el monje franciscano inglés Roger Bacon, en el siglo XIII. Pese a ello, el invento de la cámara oscura se atribuye al sacerdote veneciano Leon Battista Alberti, que construyó en 1460 una cámara oscura que fue perfeccionada en el siglo XVI por Leonardo da Vinci y Benvenuto Cellini. Ya en el siglo XVII, en 1611, el astrónomo alemán Johannes Kepler publicó su Diptrice donde, entre otras cosas, desarrollaba los principios científicos de la cámara oscura, cámara que un jesuita alemán, ATHANASIUS VON KIRCHER, presentó al público.
• La ESTROBOSCOPIA sensación de movimiento.
La estroboscopia es el sustrato principal del hecho cinematográfico. La primera experiencia digna de mención fue el disco de Newton y otros experimentos para probar la persistencia retiniana.
Los primeros intentos de representar el movimiento se efectuaron en la antigüedad clásica con las llamadas sombras chinescas y mejor aún las sombras javanesas. En ambas había movimiento y proyección.
Hacia 1850, el oficial austriaco Franz von Uchatius tuvo la ocurrencia de colocar varias imágenes en semicírculo, con situaciones distintas de un mismo movimiento, y pasar por detrás una antorcha encendida, consigue por ver primera proyectar una sensación de movimiento continuo.
• La FOTOGRAFÍA plasmación de la realidad.
Antes del cine fue la FOTOGRAFÍA.
Algunos científicos, como Becquerel habían comprobado que ciertas radiaciones ennegrecían las sales de plata. Más tarde, NICÉPHORE NIEPCE (1765-1833), hacia 1816, consiguió fijar químicamente las imágenes que reflejaba una cámara oscura, un fenómeno que constituye la base de la cámara fotográfica. Posteriormente, JACQUES MANDÉ-DAGUERRE se asoció con Niepce, redujo el tiempo de exposición y se apropió del invento de la fotografía.
En el proceso fotográfico, recordaremos el proceso de obtención de la película cinematográfica usada por los primeros inventores:
En 1805, el inglés Thomas Wedwood consigue la película que usó Niepce; el 7 de enero de 1839, muerto ya Niepce, su socio el físico francés Louis-Jacques Mandé Daguerre obtiene el daguerrotipo, una imagen positiva formada por la acción del vapor de mercurio sobre una placa de cobre recubierta de una placa pulimentada de plata, sensibilizada a la luz mediante vapores de yodo. Poca sensibilidad y no admitía copias. El daguerrotipo pasó de moda al aparecer las placas de colodión húmedo. En 1855, el inglés Parkes descubrió el celuloide, fabricado industrialmente por los norteamericanos hermanos Hyatt en 1865. En 1879, el francés Ferrier fabrica la primera película fotográfica. En 1887 se obtuvo la primera película cinematográfica por Hannibal Goodwin y George Eastman, quien en 1889 fundó la Eastman-Kodak y fabricó la película de 35 mm y cuatro perforaciones usada por el kinetógrafo de Edison y Dickson. En 1889, se fijó este formato, la anchura de película, y el tipo de perforación.
Precursores básicos del hecho cinematográfico fueron:
• LA LINTERNA MÁGICA (1646), precursora del proyector cinematográfico, fue descrita por vez primera por el jesuita alemán Athanasius von Kircher, basándose en la Cámara Oscura. Permitía proyectar diversas figuras por medio de una lente convexa y luz solar o artificial. Parecida a ella era la linterna fantástica o linterna terrorífica, presentada en 1660 por el ilusionista danés Thomas Walgestein.
• EL FANTOSCOPIO (1799), basado en la Linterna mágica.
• LA RUEDA DE FARADAY (1831), aparato destinado a analizar la ilusión óptica construido por Faraday y llamado también rueda de la vida. Consistía en dos ruedas dentadas que giraban sobre el mismo eje en el mismo sentido o en el contrario. Se basa en el efecto óptico producido al observar el movimiento de una rueda a través de las rendijas de la otra.
• EL FENAKITISCOPIO (1832), un disco de cartón, de un mínimo de 25 cm. de diámetro, dividido en partes iguales en cada una de las cuales, y en la parte periférica, había una rendija. Un eje central hacía girar el disco y la imagen se observaba en un espejo a través de las rendijas. En cada una de las partes se colocaba un dibujo correspondiente a una fase del movimiento.
• EL ESTROBOSCOPIO (1832). Un disco de cartón con los dibujos de varias fases del movimiento. Base teórica del zootropo.
• EL ZOOTROPO, de CHARLES- EMILE REYNAUD, (1834) fue el primer Tambor Mágico, y se basaba en el Fenakitiscopio: un cilindro hueco con rendijas verticales situadas a la misma distancia que unos dibujos colocados en el interior del cilindro. Más manejable que el Fenakitiscopio, podía ser usado a la vez por varios espectadores situados en círculo. Cada una miraba por una rendija.
• EL OMNISCOPIO (1859) invento que se basaba en el fenakitiscopio, intentando obtener relieve y movimiento.
• EL PRAXINOSCOPIO (1877) fue el resultado que REYNAUD obtuvo al desarrollar los principios del Tambor Mágico. Un tambor bajo montado como el del Zootropo, pero sin la parte superior, en la que van las rendijas. En posición concéntrica a dicho tambor, y fijo, si situaba un prisma que tenía un espejo en cada una de sus caras. Los dibujos iban pegados en la parte interna del tambor y en número igual al de espejos. La sensación de movimiento, al girar el tambor, se producía por reflexión en los espejos.
• EL EATROPRAXINOSCOPIO (1879), un perfeccionamiento de Reynaud de su praxinoscopio. Tenía añadido un escenario con sus respectivos decorados. El movimiento se observaba a través de una abertura practicada en la parte exterior de la caja donde se ubicaba todo el sistema.

• EL CRONOFOTÓGRAFO (1882). Cámara fotográfica con un disco giratorio, provisto de ventanillas, que hacía las veces obturador. Montado sobre una plataforma móvil que se deslizaba sobre raíles, permitía fotografiar diversas fases del movimiento de un modelo. Primero, sobre placa fija; más tarde, de película (1888); por último, de leva excéntrica (1893), origen del Biógrafo.
• EL FANTASCOPIO (1884), una linterna mágica a la que se adaptaba un mecanismo de movimiento intermitente, con seis aspas en cada una de las cuales se adosaba una instantánea fotográfica.
• El KINETÓGRAFO (1889/1891), cámara cinematográfica construida por el inglés WILLIAM KENNEDY LAURIE DICKSON y el norteamericano THOMAS ALVA EDISON como resultado de sus experiencias sobre el Fonógrafo óptico
• El KINETOSCOPIO (1890) Edison y Dickson. Patente solicitada en 1891 y no concedida hasta 1893. Consistía en una caja óptica en la que por dos oculares se podían observar previa introducción de una moneda una serie de cintas que pasaban en su interior. Primera película de 35 mm y cuatro perforaciones por fotograma, fabricada por George Eastman a instancia de Edison. Se movía a 46 imágenes por segundo y por arrastre continuo. Cada bobina de película tenía una longitud de 15 metros.
• El VITASCOPIO (1895), inventado por el pionero e inventor del cine norteamericano THOMAS ARMAT, que se asoció con Charles Francis Jenkis para construir el Fantascopio. Separado del Jenkis, vendió la patente a Thomas Alva Edison y éste lo presentó en 1896 con el nombre de Vitascopio, como si fuera de su invención y usándolo para la proyección de bandas kinetoscópicas.
• EL BIÓGRAFO. Hay cuatro biógrafos: el del francés Georges Demeny (1893), que registraba 30 imágenes por minuto que se recortaban y pegaban ordenadamente sobre un disco de cristal; el del norteamericano Herman Casler (1896), de impresión en cinta continua, y se pasaba a una velocidad de 30 a 40 imágenes por segundo; el del francés Eugène-Augustin Lauste (1896); y el del británico Lear (1897).
• EL VIVISCOPIO¸ juguete basado en el zootropo. Los dibujos se situaban en una cinta adosada a la parte exterior del tambor.
Y además: el Bioscopio, el Coreutoscopio, el Diorama, el Electrotakiscopio, el Fasmatropio, el Filoscopio, el Fusil Fotográfico, el Kinematoscopio, el Mutoscopio, el Revólver astronómico o fotográfico, el Zoogiroscopio, etc.
• LA PANTALLA. En lo referente a la proyección cinematográfica, el trabajo de los precursores se centró en el perfeccionamiento de un solo aparato: la linterna mágica. Durante el siglo XVII, la linterna mágica tuvo una notable difusión, aunque siempre con imágenes estáticas. Se perfecciona con el fantoscopio y a partir de 1840, al sustituirse los dibujos por fotografías, la linterna mágica vuelve a ponerse de moda.
CHARLES-ÉMILE REYNAUD consiguió la PANTALLA al perfeccionar el zootropo (1888) e incorporarle un tambor de espejos que conseguía por reflexión la proyección en una pantalla. Lo llamó:
• TEATRO ÓPTICO (1888) y venía a suceder a los teatros de sombras y a la antiquísima linterna mágica, todo estaba listo para el nacimiento de la cámara cinematográfica y con ello del cine. Como queda dicho, era un sistema de proyección de dibujos animados desarrollado por Reynaud a partir del praxinoscopio, y al sustituir las placas de vidrio de aquel por cintas de gelatina dibujadas y coloreadas formando fotogramas de 4 x 5 cm, con una sola perforación y arrastre continuo. En el Teatro óptico, Reunador conseguía efectos sonoros mediante levas adosadas a la cinta. Claro precursor del genio canadiense Norman McLaren. Reynaud utilizaba bandas cuidadosamente dibujadas y coloreadas, por lo que le podemos considerar como el creador de los dibujos animados. ¿Y NO ERA YA CINE… Y CINE SONORO, ADEMÁS? El Teatro Óptico estuvo exhibiéndose en el Museo Grévin, de París, desde 1988 a 1892, proyectando películas de dibujos animados, sonoros, sobre una pantalla. ¡Ustedes mismos!
En resumidas cuentas, REYNAUD, los norteamericanos ARMAT, DICKSON y EDISON, el alemán SKLANADOWSKI y el inglés FRIESSE-GREEN tienen tanto derecho como los franceses hermanos LUMIÈRE a ser considerados invenrores del cine, ya que antes de que estos inventaran la grifa excéntrica  como las de las máquinas de coser que invento Singer, se había construido el primer Estudio de cine  el Black May, se había diseñado y lanzado al mercado la película de 35 mílimetros con perforaciones laterales, habían rodado películas argumentales y documentales, habían proyectado imágenes móviles sobre una pantalla, y se habían llevado a cabo proyecciones públicas en varios paíeses europeos Inglaterra, Alemania, Espaa…. antes de la fecha que los historiadores francesas del cine, y sus traductores españoles, consideran oficial para el nacimiento del cinema: el 28 de diciembre de 1895.

CRONOLOGÍA BÁSICA DEL CINE:
• 1893 El BLACK MARÍA, primer estudio de rodaje 1 de febrero construido por Dickson para la filmación de películas de los kinetoscopios de Edison. Una habitación oscura con techo de cristal y giratoria con el sol.
• En 1887, Edison y su principal colaborador Dickson, encargan a Eastman-Kodak la fabricación de PELÍCULAS FOTOGRÁFICAS SOBRE CELULOIDE, de 35 milímetros de anchura, 50 pies de longitud y cuatro perforaciones por fotograma, es decir: la película cinematográfica que emplearon los pioneros del cinema.
Edison, para sus exhibiciones, usó un perfeccionamiento del cronofotógrafo de Marey, el quinetoscopio, negándose a aceptar la idea de Dickson de proyectar sobre una pantalla las películas rodadas para él, ya que consideraba que el público nunca se interesaría por una proyección muda y él había fracasado en el intento de lograr un cine sonoro.
Como no todos pensaban así, fueron multitud los que intentaron hallar la forma de proyectar las películas que quinetoscopio sobre una pantalla. Y de esos intentos nació el cine tal y como ahora lo entendemos.
• En 1888, Reynaud comienza las exhibiciones de su TEATRO ÓPTICO en el Teatro Grévin, de París.
• En 1894, el norteamericano Thomas Armat construye el FANTASCOPIO, un PROYECTOR CINEMATOGRÁFICO que permitía proyectar películas cinematográficas. No explota convenientemente su invento y se lo vende a Edison quien lo presenta en 1896 como propio y con el nombre de Vitascopio.
• El 1 de noviembre de 1895, el alemán Max Skladanowsky, junto a su hermano Emil, presenta una serie de películas RODADAS el verano anterior y PROYECTADAS con el BIOSCOPIO, aparato de doble proyección construido por ellos mismos. No lograba una perfecta continuidad de movimiento.
• Los hermanos franceses Louis-Jean Lumière y Auguste-Louis-Nicolas Lumière PATENTARON el 13 de febrero de 1895 un aparato con el nombre de Kinetoscopio de proyección, más tarde Kinetoscopio cinematográfico, y finalmente cinematógrafo. La película avanzaba, mediante una grapa y las perforaciones laterales, a una velocidad de 15 fotogramas por segundo, y más tarde a 16. El mismo aparato, movido mediante una manivela, servía para captar las imágenes, positivarlas, efectuar trucajes elementales y proyectarlas.
• Los hermanos LUMIÈRE, en una sesión privada celebrada el 22 de marzo de 1895, presentan en Lyon Mont-Plasir su PRIMER FILME: Salida de los obreros de las fábricas Lumière, rodado y proyectado con un aparato que sirve para la obtención y visión de pruebas cronofotográficas, según sus propias palabras.
• EL 28 DE DICIEMBRE DE 1895 fecha oficial del nacimiento del cine los hermanos Lumière presentaron en el Salon Indien, del Grand Café, situado en el 14 del Boulevard des Capucines, en la orilla derecha del Sena, entre la Ópera y la Madeleine, de París, la PRIMERA SESIÓN CINEMATOGRÁFICA, al precio de un franco la entrada. El Salón había venido siendo usado como sala de billares hasta que fue clausurada por la policía, con otras de esa clase, pocas semanas antes y fue alquilado por los Lumière por 30 francos diarios.
Bajo el epígrafe LE CINEMATOGRAPHE, el cartel anunciador situado en el escaparate decía:
Este aparato inventado por MM Auguste y Louis Lumière permite recoger, en series de pruebas instantáneas, todos los movimientos que, durante cierto tiempo, se suceden ante el objetivo, y reproducir a continuación esos movimientos proyectando, a tamaño natural, sus imágenes sobre una pantalla y ante una sala entera.
Se pasaron 10 películas de 17 metros de entre las que se rodaron en las semanas anteriores y siguientes a aquel 28 de diciembre: La salida de los obreros de la fábrica Lumière, en Lyon; El bocal de los peces rojos; El regador regado; La comida; Riña de niños; Los fosos de las Tullerías; La llegada del tren; El regimiento; Baño de mar; La pesca del camarón; El carpintero; El herrero; Partida de naipes; Destrucción de las malas hierbas; La demolición de un muro; El mar; El desayuno del bebé; El lisiado; Salchichería mecánica; El desembarco de los congresistas; etc.
La idea de la grifa de la excéntrica, que permitía un arrastre intermitente de la película, se le ocurrió a Louis en una noche de insomnio, pero asoció a la patente a su hermano Auguste.
El aparato servía indistintamente de tomavistas, proyector y para tirar copias. No se ha conseguido nada más simple y perfecto aún. Funcionaba accionado por una Manivela.
• A principios de 1896, a instancias de unos comerciantes griegos, el inglés Robert William Paul, en colaboración con su socio Birt Acres, falsifica el Kinetoscopio de Edison y, para poder rodar sus propios filmes, construye una cámara tomavistas, una máquina perforadora de películas, una positivadora y, posteriormente, un aparato de proyección llamado Teatrógrafo, en el que el arrastre intermitente se producía por medio de una Cruz de Malta. Antes, el 14 de enero de 1896, habían ofrecido la primera sesión pública usando de un proyector de Acres, el Kineoptikon y pasando filmes rodados con la cámara de Paul.
Había nacido el cine.
Los pioneros
LOUIS Y AUGUSTO LUMIÈRE
Louis y Augusto Lumère obtuvieron, en las veinte primeras sesiones celebradas en el Gran Café, una recaudación máxima de 2.500 francos diarios en una sala de 120 espectadores que pagaban un franco por su entrada y por cuyo alquiler pagaron los dos hermanos 30 francos por día. Se celebraba una sesión cada media hora, con la proyección en cada una de ellas de diez películas de 50 pies 15,25 metros de duración, y en la primera de ellas se recaudaron tan solo 35 francos.
El éxito de los Lumière, del invento de los hermanos Lumière, no se debió a la riqueza u originalidad de los temas, propios de cualquier fotógrafo de la época Louis era fotógrafo, sino el hecho de que sus imágenes se moviesen lo que, pese a reproducirse en sólo dos dimensiones, creaba una inaudita sensación de realidad.
Los espectadores huyeron en La llegada del tren.
Vistas hoy, de aquellas películas de los Lumière interesan muy especialmente cuatro títulos:
• La salida de los obreros de la fábrica Lumière, primera película rodada por los autores. La más importante y significativa: las puertas de la fábrica se abren para dar paso a una riada de obreros empujando sus bicicletas, obreras con faldas acampanadas y sombreros emplumados. Tras el personal, los patrones, en una victoria tirada por dos hermosos caballos. Película entre publicitaria y social, medio siglo más tarde de haberse publicado el Manifiesto Comunista.
• El muro, en el que se muestra la demolición de un muro, y que fue rodada invirtiendo el sentido de marcha de las imágenes e inaugurando de ese modo el trucaje cinematográfico. Los propios Lumière profundizaron en él en Charcutería mecánica, en la que un cerdo entra en una máquina y sale convertido en salchichas.
• El regador regado, su primer corto humorístico, rodado en exteriores y como tomado del natural: la cámara, inmóvil, muestra a un jardinero regando su jardín. Un muchacho entra en campo, se acerca y oprime con un pie la manguera para impedir la salida del agua. Cuando, intrigado, el jardinero mira por la boca de la manguera, el muchacho levanta el pie y el agua sale con fuerza contra la cara del jardinero.
• La llegada del tren, que provocaba el pánico de los espectadores, quienes creían que la locomotora se precipitaba sobre ellos. El realismo de las imágenes en movimiento se veía reforzado por la profundidad de foco que da nitidez de enfoque tanto en los primeros como en los últimos términos de la imagen. Desde el punto de vista técnico, esta película ofrece un interés indiscutible porque, gracias a al movimiento de la escena, ya que no de la cámara, ofrece toda la gama de encuadres de una película moderna, desde el plano general al primer plano. Esta película causó tal impacto que aquellos años se rodaron docenas de llegadas y salidas y muy especialmente en el ferrocarril. Ellos mismos rodaron una maravillosa por la calidad de su contraluz: Una barca saliendo del puerto.
Aunque visto desde ahora pudiera parecer otra cosa, los Lumière no vieron en el cine sino un instrumento científico de escaso valor comercial, por lo que orientaron su producción hacia sencillas cintas documentales. Pese a ello, y arrastrados por la propia fuerza del naciente cinema, ampliaron la duración de algunas de sus nuevas películas hasta tres minutos y ensancharon el campo de sus experiencias hasta el punto de enviar a sus operadores a todos los rincones del mundo.
PROMIO fue el más famoso de los operadores de los Lumière. Estuvo filmando en España protegido por la reina regente, y visitó también Constantinopla, Esmirna o Jerusalén, por ejemplo. Sus imágenes se unían a las que otros operadores enviaban a París desde otros lugares de Europa, la India, México o China, para nutrir un catálogo que contaba ya con 358 títulos en 1897.
FRANCOIS DOUBLIER, un antiguo aprendiz de la casa Lumière, rodó, en 1896, La coronación del zar Nicolás II, que marcó un hito en el género con siete bobinas de duración, lo que ya significó un primer paso, al tener que unir esas siete bobinas.
Pronto se inició en Checoslovaquia el rodaje de La Pasión de Cristo, que compró un empresario norteamericano por 10.000 dólares, lo que provocó que un competidor filmase otra Pasión usando de actores aficionados y en la terraza de un hotel neoyorquino.
LEAR KIRCHNER rodo en Francia otra Pasión, interpretada por comediantes, un Viaje del Zar a París y un film La casada acostándose, en el que reproducía una pantomima que se interpretaba en el Olimpia de París.
HENRI JOLY, antes de la exhibición del Gran Café e imitando los filmes galantes de Edison ―La batalla de las almohadas, El baño del negrito, El sombrero en el teatro―, pero con destino a los kinetoscopios que regentaba Pathé, realizó La mundana desvistiéndose.
GEORGE MÉLIÈS,
Un francés de 35 años, hijo de un acaudalado fabricante de zapatos, aficionado a la magia y al ilusionismo y que llevaba ya diez años como director del teatro Robert Houdin de París, se encontraba entre los privilegiados espectadores que asistieron a la primera proyección cinematográfica.
Al concluir aquella primera proyección, Méliès quiso comprar a Antonine Lumière una copia de su cinematógrafo y le ofreció 10.000 francos por él; en días sucesivos, el director del Museo Grévin le ofreció 20.000, y 50.000 el director del Folies Bergère. A ninguno de ellos se lo vendió el viejo Lumière. A Méliès, le contestó: “Amigo mío, bien puede usted darme las gracias por no vendérselo; el aparato no está a la venta, afortunadamente para usted, pues le llevaría a la ruina. Quizá pudiera explotarlo durante algún tiempo como curiosidad científica, pero tenga la certeza de que no tiene ningún porvenir industrial”.
Afortunadamente para los amantes del cine, Méliès se enteró, unas semanas más tarde, de que un óptico inglés, Robert William Paul, había lanzado al mercado un aparato similar al utilizado por los Lumière bajo el nombre de Bioscopio, y a él si pudo adquirirle uno por 1.000 francos. Con él comenzó a exhibir películas en su teatro de variedades, magia e ilusionismo.
Pero Méliès no se conforma con exhibir esas películas: En Londres, compra varios miles de metros de película Kodak virgen y, tras hacerla perforar por Paul, la utiliza para iniciar su propia producción cinematográfica.
Méliès sigue, al principio, se inicia en el cine recorriendo la senda abierta por los Lumière, y de ese modo produce hasta ochenta películas documentales de la vida diaria: Escenas de la calle, Salida de la oficina, Llegada del tren, Los baños de mar, Escenas infantiles, etc., tan carentes de originalidad como de ingenio.
Pero una mañana de 1896, cuando Méliès estaba rodando en la Plaza de la Ópera, de París, su cámara se detiene: un grado de arena en el engranaje externo es el culpable. Eliminado, el rodaje continúa y, cuando se procede a la proyección de los rodado, un autobús que cruzaba la plaza en el momento de la detención de la cámara se transforma en el coche fúnebre que la atraviese cuando se reanuda la filmación. Un incidente que significó para Méliès lo que la célebre manzana para Newton y que le permite convertirse en el verdadero creador del trucaje cinematográfico, siendo la primera película que rueda usando conscientemente del recién descubierto truco El escamoteo de una dama, en octubre de 1896. Se rodaba aún al aire libre la luz artificial usada por los fotógrafos era de uso muy peligroso y difícil en el cine, y sólo Méliès se atrevió a usarla una vez antes de 1906, para el rodaje de cuatro números del cantante Paulus, y con un telón de fondo desplegado sobre una pared. En 1987, parece transformar a una señora en un ramo de flores en la película Fausto y Margarita.
Para rodar con mayor facilidad sus películas, en 1987, invierte 25.000 francos oro en su propiedad en Montreuil para levantar allí un estudio en el que combina la decoración teatral con las telas pintadas de uso frecuente en los estudios de fotografía en una especie de acuario gigantesco que permite aprovechar al máximo la luz solar. En un extremo del estudio, hace construir un cuarto oscuro en el que guardar la cámara, usar como laboratorio y efectuar los trucos, y en el otro hace montar un escenario con amplios bastidores y toda la usual tramoya teatral: pasarelas, trampas, ascensores, plataformas giratorias, etc.
Contando con ese estudio, Méliès profundiza en las posibilidades mágicas del cine e inventa la sobreimpresión, la fotografía compuesta, la exposición múltiple hay siete en El hombre orquesta o El Melómano , las maquetas o modelos reducidos, y el acercamiento de cámara, en una especie de travelling, en El hombre de la cabeza de goma, que protagonizó el propio Méliès en 1901.
Pese a ello, en aquellos primeros años, Méliès no usa las posibilidades del montaje para cambiar de plano, siguiendo, como los Lumière, concibiendo cada uno de ellos con valor teatral. Es cierto que llega a emplear el Gran Primer Plano, pero no con intención dramática sino para crear un efecto de gigantismo en Gulliver. Ello hace que los sucesos se encadenen como en las representaciones teatrales: en Viaje a través de los imposible, un cuadro muestra el interior de un vagón, el vagón se detiene, bajan los viajeros, el vagón queda vacío; el siguiente cuadro muestra la estación, etc.
Entre sus películas más importantes cabe citar:
• Explosión del acorazado Maine en la rada de La Habana el suceso que dio origen a la guerra hispano-norteamericana con 5 minutos de duración y una escena que simula ser submarina rodada a través de un acuario.
• El affaire Dreyfus, de casi 15 minutos de duración y producida en 1899. En ella, Méliès copió fotografías auténticas y permitió por vez primera que los actores se acercasen a la cámara.
• Cenicienta, con el trucaje de la transformación de una calabaza en carroza.
• Juana de Arco, con 500 personas en escena y 15 minutos de duración.
• El viaje a la luna, en la que combina las novelas de Julio Verne y H.G. Wells. Tuvo tal éxito que debe situársela en el arranque del cine comercial propiamente dicho. En EEUU se vendieron centenares de copias, pese a que Méliès solo había vendido cinc, por lo que abre una sucursal en USA. Decididos los hombres de negocio americanos con Edison al frente a expulsar a la competencia, consiguen que el representante de Méliès, Lafont, sea perseguido por infracción a los reglamentos aduaneros y forzado a abandonar Nueva York en una canoa en la que consigue llegar a un trasatlántico francés que lo embarca clandestinamente.
• El laboratorio de Mefistófeles, Magia diabólica, Pigmalión y Galatea, El libro mágico, La bailarina microscópica, y, entre otras muchas, Erupción del Monte Pelado, filmada en 1902 con modelos en miniatura.
• La profecía del gitano, una película que se conserva en la actualidad y que responde a una concepción mucho más actual de la cinematografía, con una narración de apreciable fuerza dramática, montaje bien estructurado para la época y planificación intencionada. Un Méliès insólito y muy distinto del de sus anteriores películas.
De allí en adelante, Méliès inicia el camino hacia la miseria. Desaparece de sus círculos habituales, sin dejar rastro alguno hasta que, en 1928, un periodista le reconoce en el anciano de barba puntiaguda que vende juguetes y golosinas en la estación de Montparnase. Pese a que se organizan varios actos en su homenaje y se le imponen algunas condecoraciones, él sigue abriendo puntualmente su modesto puesto de chucherías junto a la estación y permanece en él 15 horas diarias. Murió de cáncer de estómago el 21 de enero de 1938.
LA COMERCIALIZACIÓN DEL CINEMA
A finales de 1895, los Lumière han producido ya unas 200 películas. En 1896, fabrican 200 aparatos y se contrata y enseña a nuevos operadores que se envía por todo el mundo para hacer exhibiciones y rodar nuevos documentales. Uno de ellos llega a USA y, el 18 de junio de 1896, se lleva a cabo la primera exhibición en el continente americano con un enorme éxito, mientras otros operadores de los Lumière viajan a Japón, La India, Australia… en menos de un año, el cinematógrafo se extiende por todas las tierras del mundo.
El rápido éxito despierta el interés y la competencia, lo que hace que se patenten nuevos aparatos de filmación y proyección y que otros artistas o industriales se lancen a la producción de películas. En aquel primer año, y solo en París, comenzaron a competir con los Lumière cuatro importantes productores: CHARLES PATHÉ, LEON GAUMONT, GEORGES MÉLIÈS, y PIROU, el fotógrafo de los reyes. En 1897, un desgraciado accidente frenó un tanto el entusiasmo que despertaba el nuevo invento: el incendio del Bazar de la Caridad, originado a causa de una deficiente instalación del cinematógrafo y la inflamabilidad de la película de celuloide provocó muchas muertes y las más de ellas de miembros de la alta burguesía o la baja nobleza. Pese a ello, en 1900, puede darse por terminada esta crisis porque el cine se convierte en lo que el público quiere: un espectáculo y su fuerza arrasa todos los temores y todas las prudencias.





El nacimiento del lenguaje
CRONOLOGÍA BÁSICA
1896, los hermanos Lumière crean el MONTAJE al reunir varios episodios en una sola película sobre la actuación de los bomberos.
Promio, un operador de los Lumière, descubre el EFECTO TRAVELLING rodando desde una góndola en Venecia.
El norteamericano William Kennedy Laurie Dickson, inventor para Edison, rueda la primera PANORÁMICA.
Georges Méliès descubre el trucaje llamado PASO DE MANIVELA al tener un parón en la cámara y ver sustituido en proyección un autobús por un coche fúnebre. Lo aplica por vez primera en octubre al rodar Escamoteo de una dama.
Primer NOTICIARIO CINEMATOGRÁFICO de los hermanos Lumière: Coronación del zar en Moscú.
Se proyecta en EEUU el famoso BESO entre Mary Irvin y John C. Rice.
Los hermanos Lumière instalan en París la primera SALA CINEMATOGRÁFICA, en el Boulevard Saint Denis. Sigue aún en funcionamiento

1897Méliès emplea por primera vez la LUZ ELÉCTRICA para un rodaje en el interior del teatro Robert Houdin.
Méliès utiliza por primera vez las MAQUETAS para su Combate naval.
Méliès construye un ESTUDIO de 7 x 17 m con paredes y techo de vidrio.
Primera catástrofe cinematográfica: el INCENDIO de Le Bazar de la Charité 4 de mayo.
1988El inglés George Albert Smith utiliza el PRIMER PLANO en Humorous Facial Expressions.
El inglés Valdemar Poulsen inventa la GRABACIÓN MAGNÉTICA DEL SONIDO.
1989Dickson y su operador William Fox utilizan el TELEOBJETIVO para registrar escenas de guerra en Transvaal.
Charles Pathé inicia la producción de una serie de PELÍCULAS SINCRONIZADAS con Fonógrafo.
1900El inglés James Williamson usa de la ACCIÓN PARALELA en Ataque a una misión china.
George Smith hace la primera INSERCIÓN de un primer plano junto a un plano general en El cristal para leer de las abuelas.
Los Lumière efectúan una proyección experimental en pantalla de 16 x 21 metros y emplean película de FORMATO 75 mm.
Raoul Grimoin-Sanson exhibe el CINERAMA CIRCULAR, que utiliza diez cámaras y es prohibido por la policía por el riesgo de incendios.
Leon Gaumont presenta el PHONO-CINÉMA-THÉÂTRE, con sincronización eléctrica entre imagen y rodillo fonográfico.
1901Edwin S. Porter hace la primera PANORÁMICA CIRCULAR de 360º en Panorámica Circular de una Torre Eléctrica.
1902Edwin S. Porter desarrolla la técnica de las ACCIONES PARALELAS en Salvamento en un incendio Vida de un bombero americano.
1903Edwin S. Porter, primer USO DRAMÁTICO DEL PRIMER PLANO en Asalto y robo de un tren.
El español Segundo de Chomón construye en Barcelona una CÁMARA PARA TRUCAJES.
Lumière crea el Autochrome, procedimiento de COLOR, que industrializa en 1907.
1904Se descubren el Alemania los SENSIBILIZADORES PANCROMÁTICOS
1905Gaumont construye en París un ESTUDIO ACRISTALADO totalmente, el mayor del mundo hasta 1914.
1906James Stuart Blackton, hace una primera tentativa de DIBUJOS ANIMADOS fotografiando cintas de Zootropo.
Se ELIMINA EL CENTELLEO de las proyecciones y nacen los largometrajes: El hijo pródigo, en Francia, de Michel Carré, 1.600 metros.
Segundo de Chomón crea el TRAVELLING SOBRE RUEDAS, para Vida, Pasión y Muerte de Nuestro Señor Jesucristo.
La casa Zeiss lanza un OBJETIVO DE F: 3’50 el Tessar.
Georges Dureau crea en Francia el primer NOTICIARIO DE ACTUALIDADES.
Segundo de Chomón realiza los primeros DIBUJOS ANIMADOS para su film La Casa de los duendes.
1908David Wark Griffith debuta como realizador y crea la primera ACCIÓN PARALELA para articular el salvamento en el último instante: La hora fatal y el primer montaje con rácord de movimiento en Después de muchos años.
Griffith usa del PLANO MEDIO en Balked at the Altar y del PRIMER PLANO en La botella de medicina.
Charles Pathé crea el NOTICIARIO PATHÉ-JOURNAL, semanario de actualidades.
En Francia, Emile Cohl inicia la producción sistemática de DIBUJOS ANIMADOS para la Gaumont.
1909Griffith usa la ILUMINACIÓN DRAMÁTICA y de contraste en Edgar Allan Poe, del contraluz lateral en El remedio, del desenfoque en When Pippa Passes, de la luz natural mezclada con artificial en Historia de amor de un político, y emplea por vez primera el corte sobre el mismo emplazamiento jump cut en El remedio.
La Vitagraph presenta las escenas de la vida real, que aportan una concepción realista a la interpretación y aportan el PLANO TRES CUARTO o americano.
Berthon presenta en París el primer FILME EN COLOR.
1910Primer GRAN PLANO GENERAL en una película de ficción: Ramona, de Griffith.
Primera película de argumento en KINEMACOLOR: La historia de Napoleón.
1911Se patenta en Alemania un SISTEMA SUSTRACTIVO DE COLOR.
1912Thomas Harper Ince comienza a difundir la práctica del GUIÓN ESCRITO y detallado anterior al rodaje.
Griffith usa la composición con PROFUNDIDAD DE CAMPO en Los mosqueteros de Pig Alley.
1913Chomón perfecciona el empleo del TRAVELLING Y DE LA LUZ ARTIFICIAL.
Gaumont y Kodak comercializan la PELÍCULA PANCROMÁTICA.
1916Griffith emplea el RELATO ACRONOLÓGICO en Intolerancia.
EL ORIGEN DEL CINE AMERICANO
Muchos historiadores americanos cuentan un episodio que, de ser cierto, situaría el nacimiento del cine sonoro antes que el del propio cine:
El 6 octubre 1889, Edison regresa de un viaje a Europa y, cuando entra en su taller, ve una imagen proyectada sobre una pequeña pantalla blanca: la de uno de sus colaboradores, el inglés Dickson, quien en levita y con gesto cortés le saluda con su sombrero de copa al tiempo que en la sala se escucha una voz nasal y metalizada que saluda: “Buenos días, señor Edison. Estoy encantado de su regreso y espero que le guste nuestro kinefonógrafo.”
El kinetógrafo que Dickson le presentaba estaba basado en el fonógrafo que Edison había patentado en 1878 y en el cronofógrafo. Se anticipaba en él la proyección cinematográfica y el cine sonoro, que tardaría cuarenta años en nacer de una forma oficial. Al decir de esos historiadores, Edison desdeñó ambas soluciones por suponerlas poco comerciales. El siguiente año, con ayuda de Dickson, creó el primer kinetoscopio, que patentó en 1891 y comenzó a comercializar; en él, en sus alquileres y el de las cintas para alimentarlo, sí vio una fuente segura de ganancias.
Ese mismo año, 1893, Edison hizo construir lo que llamó teatro kinetoscópico, que sus colaboradores llamaron Black María, y que puede ser considerado el primer estudio cinematográfico construido en el mundo: Una inmensa cámara oscura, de madera, pintada de negro tanto en su interior como en su exterior, con el techo deslizable, y que podía girar sobre sí misma para orientarse del modo más adecuado conforme variaba la posición del sol. En ese estudio se movían los actores y en él se impresionaron las primeras series de fotografías animadas que Edison exhibió públicamente en sus kinetoscopios. Sus películas, de 50 pies, se vendían a unos precios que oscilaban entre los 10 y los 20 dólares y fueron exhibidas en muchos locales públicos que alquilaron a Edison sus kinetoscopios. Estaban protagonizadas por gimnastas, bailarinas, acróbatas, boxeadores, contorsionistas, etc.
Ese éxito fortaleció su creencia de que no sería rentable proyectar esas películas en pantallas que fueran contempladas simultáneamente por muchos espectadores, y ello le impidió perfeccionar su invento y anticiparse así a la sorpresa que le significó la llegada a Nueva York de un operador de Lumière Félix Mesguich, quien exhibió el sistema en un music-hall con tal éxito que se hizo sonar la Marsellesa en su honor y se lanzaron encendidos vítores a los hermanos Lumière. Corría el año 1896. Cinco meses más tarde tras obligar a Mesguich a escapar de un casi seguro asesinato las salas de proyección proliferaron por todos los USA, pero no equipadas con aparatos europeos, sino con otros de patente americana: el biógrafo, el bioscopio, el vitascopio, el veriscopio, etc. El naciente cine americano se acogía Broadway y hacía suyo el grito de Monroe: “América para los americanos”.
Entre tanto, la guerra hispano-norteamericana había hecho nacer, violento, un nuevo género: el de la propaganda política, un género que seguiría vivo a lo largo de toda la historia del cine. En aquellos años se rodaron centenares de documentales amañados, de los que el más famoso fue uno rodado en Chicago con maquetas y en una bañera que se ofreció como tomado de la batalla nocturna entre la flota del almirante Cervera y la norteamericana. Amet  el autor dijo que había usado una película supersensible a la luz lunar y de un teleobjetivo capaz de impresionar imágenes a diez kilómetros de distancia. Se cuenta que el Gobierno español compró una copia para sus archivos.
El éxito de El beso, 1896, de Edison, abrió las puertas a una vía que aún permanece vigente para el éxito comercial: el de las escenas de amor, al tiempo que anticipó otra de las constantes del cine de éxito: el final feliz.
Tras el éxito de la Pasión rodada por los franceses, los americanos multiplicaron la producción de nuevas Pasiones e incontables de tema religioso hasta que Cecil B. de Mille acierta a unir en una sola película el tema religioso y el amoroso, añadiendo a ambos el atractivo de la espectacularidad obtenida con el empleo de medios inusuales y enormes cantidades de figurantes.
La escuela de Brighton
En Gran Bretaña numerosos music-halls exhibían películas y el cine ambulante se desarrolló rápidamente gracias a ROBERT WILLIAM PAUL, que construyó en 1984 una imitación del Kinetoscopio de Edison por encargo de unos empresarios griegos… siguió fabricando más aparatos… introdujo modificaciones y en 1895 construye una cámara tomavistas para surtir con películas propias a los cada día más numerosos kinetoscopios ingleses. Recordemos que a él fue a quien recurrió Méliès para la compra de su primer aparato cinematográfico.
Paul comenzó rodando temas de actualidad y su primera película, Un soldado galante, fue interpretada por actores improvisados. En 1899 construye un minúsculo estudio en el que produce películas relativamente importantes: Una aventura de Mr. Pickwick, Lanza mágica de ambiente medieval, Ora pro nobis, Los últimos días de Pompeya y sobre todo, Viaje al ártico, 1903, su obra maestra. Paul es ingenuo, pesado y vulgar. Su mayor mérito, haber montado en 1900 una Loca carrera en automóvil en Picadilly Circus¸ en la que se emplea por vez primera de una forma consciente el travelling subjetivo¸ para crear en el espectador la sensación de hallarse en un vehículo lanzado a toda velocidad.
No acaba con ellos la aportación británica al naciente cinema. Brighton era una playa de moda favorecida por la benignidad de su clima y allí se iniciaron varios fotógrafos en los secretos de la fotografía animada y ellos han pasado a la historia con el nombre de
ESCUELA DE BRIGHTON.
• GEORGES ALBERT SMITH,
Georges Albert Smith, que se inició con unas escenas naturales rodadas en la playa en 1897, se encerró pronto en un estudio y siguió con menos talento un camino paralelo al de Méliès, usando también de la sobreimpresión que Smith llegó a patentar y de un gusto destacado por el primer plano que alterna con planos generales, siendo en este sentido el verdadero creador del montaje cinematográfico. En películas como La loba de la abuela, Lo que se ve por el microscopio, El pequeño doctor, La rata de la Escuela de Bellas Artes, y sobre todo Las desventuras de Mary Jane, usa con criterio cinematográfico de la alternancia de primeros planos y planos generales y consecuentemente del montaje.

• JAMES WILIAMSON,
James Wiliamson, antiguo farmacéutico, rueda documentales al aire libre, unas regatas en 1899 en las que ya cambia la posición y el eje de la cámara para recoger breves tomas de espectadores, embarcaciones, meta, etc. Incluso utiliza un travelling montando la cámara en una embarcación que se desplaza. Como otros documentalistas de la época, aborda la actualidad reconstruida y en 1900 realizada una obra importante, Ataque a una misión en China que duraba cinco minutos, estaba dividida en cuatro cuadros aparición de los boxers a las puertas de la misión + el pastor se da cuenta del ataque y abre fuego contra los chinos. La esposa hace señales con un pañuelo desde la ventana + las tropas de los marinos británicos corren hacia la misión + los boxers son reducidos y anticipa las cabalgadas de Tom Mix y las obras de Griffith al ser el primer cine que usa un estilo netamente cinematográfico. Introduce también la persecución y usa del gran primer plano como final de un travelling subjetivo en la película El gran trago en la que un caballero, molesto porque un fotógrafo ambulante le está retratando, se aproxima a él con la boca abierta y devora al fotógrafo y su cámara… para alejarse luego satisfecho, masticando.
• ALFRED COLLINS
Alfred Collins, que un especialista en persecuciones cómicas y en Casamiento en auto llega a usar un doble travelling de dos coches que se persiguen alternando sus puntos de vista: plano y contraplano.
La Escuela de Brighton, además de anticipar la admirable escuela documental británica, aporta al cine un dinamismo que la lleva a crear una nueva sintaxis cinematográfica… que lo aleja del teatro retratado de Méliès para llevarlo a las puertas del cine que nos descubriría Griffith. Son los precursores de la auténtica narrativa cinematográfica.
Porter, Griffith, Ince, De Mille
EDWIN S. PORTER
Edwin S. Porter, un marinero escocés que trabajaba para Edison, rodó, en 1902, Salvamento en un incendio, en el que mezclaba escenas documentales auténticas en un tema de ficción y llevaba al cine un recurso ya usado por la novela: las acciones paralelas, con las que incrementa la tensión emocional de un espectador a quien inquieta saber si los bomberos llegarán o no a salvar a la madre y el hijo protagonistas del filme.
El propio Porter rodó en 1903 una película sensacional de 234 metros y 14 escenas: Asalto y robo de un tren, el primer western de la historia del cine. Concluye con un primer plano en realidad, un plano mediodel jefe de los bandidos, quien apunta su revólver hacia la cámara y dispara.
Porter rodó también “La cabaña del tío Tom”, 1903, de casi 400 metros y 14 escenas, en el estilo de Méliès, y en 1906, “El ex-convicto”, y “La cleptómana”, en la que muestra el distinto rigor de la policía para con una cleptómana rica y una pobre mujer que, por hambre, roba un panecillo.
El cine americano respeta en aquellos años unas reglas muy simples:
1ª – Cada escena debe empezar con una entrada y terminar con una salida.
2ª – Los actores deben presentar el rostro a la cámara y moverse horizontalmente, salvo cuando el movimiento es rápido o prolongado una persecución, una pelea, cuya acción se debía situar en diagonal.
3ª – Las acciones que se desarrollen en último término deben ser lentas y exageradas para que el público las vea bien.
En busca del público popular en que realmente debe encontrar su razón de ser y su éxito el cinema, las producciones, que distribuyen sobre todo los feriantes, se centran en melodramas, picaresca erótica, historias de crímenes, dramas realistas, relatos policíacos y temas religiosos.
Junto a Porter, Blackton y el coronel Seling son los nombres más importantes en aquellos primeros años de cine americano. Tras ellos, surgen los tres grandes nombres del primitivo cine americano y del cinema de aquellos años: Cecil B. de Mille, Thomas Ince y David Griffith.
DAVID WARD GRIFFITH
David Ward Griffith fue sin duda el padre del cine americano, el verdadero creador del lenguaje cinematográfico y la sintaxis visual tan y como aún la entendemos.
Edwin S. Porter había usado el Primer Plano de una forma puramente intuitiva en “Asalto y robo de un tren” y antes que él lo había hecho, sin tampoco caer en la cuenta de su valor, Méliès, pero fue GRIFFITH quien primero le dio un valor emocional en “El nacimiento de una nación”, 1915, en la que lo usa con plena conciencia de su fuerza expresiva y su significación dramática. Antes lo había usado en una película interpretada por Mary Pickford
Al igual que de Primer Plano, puede considerarse a Griffith el verdadero creador del montaje. Ya hemos visto que un cierto tipo de montaje simple adición de bobinas fue realizado por Doublier en “La coronación del zar Nicolás II,” y que Méliès, Porter, los autores de la escuela de Brighton y otros muchos lo habían usado, incluso creando las acciones paralelas; pero es Griffith quien le da al montaje el valor que hoy tiene en el lenguaje audiovisual. Lo usó mucho y bien en El nacimiento de una nación”, “Intolerancia”, “Las dos huérfanas”, “Las dos tormentas”, etc.
También debemos considerar a Griffith el creador del ritmo en el cine ,y del valor que en el lenguaje cinematográfico tienen los movimientos de l cámara, e incluso la conjunción de movimientos de cámara y escena.
A margen de estas conquistas lingüísticas, Griffith se esforzó siempre por transmitir un mensaje. Él era, ante todo, un lírico, un idealista con aires de predicador. En “El nacimiento de una nación”, 1915, ve la Guerra de Secesión bajo una óptica claramente sudista el Ku-Klux-Klan es el bueno y los negros son los traidores en el melodrama , pero esa película lanzó su nombre a la fama en el mundo entero. Por el contrario, su film más ambicioso, Intolerancia”, 1916, constituyó un rotundo fracaso comercial porque su inmenso coste 80 rollos, casi 20 horas de duración, aunque fue reducida luego a sólo doce rollos para presentar cuatro épocas distintas de la humanidad en lucha contra la intolerancia: Babilonia, los fariseos contra Jesús, la noche de San Bartolomé, y una tragedia obrera en el mundo de la época y la fama de Griffith no sirvieron para llenar las salas. Un nuevo fracaso económico obtuvo con su siguiente y magnífica película, “El lirio roto”, 1919, basada también en el racismo y la angustia humana, pero singular obra de arte por su forma y el acierto con que crea una línea cinematográfica que sería muy imitada posteriormente: el film psicológico. De ambos fracasos se recuperó parcialmente con el melodrama “Las dos tormentas”, en la que el paisaje se constituye en un personaje más y muy importante de la película.
Otros títulos suyos son: ”Corazones del mundo” sobre la primera guerra mundial, “Los conquistadores” sobre los aztecas, “El romance del valle feliz”, “La muchacha que se quedó en casa”, y “El verdadero corazón de Jane”.
THOMAS INCE
Thomas Ince fue alumno de Griffith, bajo cuya dirección debutó en 1909. A él se deben los cánones de las películas del Oeste y haber lanzado a las pantallas y a la fama a William S. Hart, intérprete excepcional de los primeros westerns.
Poeta del aire libre y hombre dotado de excepcional lirismo, Ince fue uno de los primeros en darse cuenta del valor plástico y fuerza expresiva de las imágenes, y supo aprender de su maestro la importancia del ritmo y el montaje. Fue el primero que acertó a aunar y sintetizar en una armonía creadora las inmensas posibilidades de un arte en nacimiento. Jean Cocteau llegó a afirmar que “Carmen del Klondyke”, de Ince, igualaba en el recuero a los más hermosos libros del mundo.
Su película “Civilización”, 1916, es un mensaje pacifista de una grandiosidad aparatosa similar a la de “El nacimiento de una nación”, pero le revela ya como un creador excepcional.
Pero en las películas en las Ince mostró todo su talento fue en las interpretadas por Hart: “El sacrificio de Río Jim”, “Las deudas de Río Jim”, “El caballo pinto de Río Jim”, “El tosco”, etc. Muchos críticos le consideran superior a Griffith, y desde luego fue muy superior a otro director de la época cuyo recuerdo ha sobrevivido al paso de los años Cecil B. De Mille.
CECIL B. DE MILLE
Cecil B. De Mille fue un director que asombró al mundo con La marca de fuego”, 1916, pero que sólo dominaba un recurso: la espectacularidad.
La marca de fuego es un vulgar melodrama presentado con un lujo digno de Las Mil y Una Noches y un indiscutible sentido de la explotación de lo visual como soporte de la narración dramática. Con todo, su éxito se debió al portentoso trabajo de su protagonista, el japonés Sessue Hayakawa, quien, frente a la frenética gesticulación en uso, entusiasmó a los espectadores con su rostro impasible, trágico, sugestivo, que lograba exteriorizar los más complejos sentimientos o estados de ánimo sin apenas gesto alguno.
De las numerosas películas que produjo Cecil. B. de Mille, citaremos: Homicidio”, “Pies de arcilla”, “Triunfo”, “Los diez mandamientos”, “El admirable Cripton”, “El rey de reyes”, “Los bateleros del Volga” y, batiendo récords del mal gusto, “Las Cruzadas”, “El signo de la Cruz”, y “Cleopatra”. Al final de su vida profesional, volvió a demostrar un magnífico oficio en películas como “Una aventura de Buffalo Bill”, “Policía Montada del Canadá”, “Unión Pacific”, o “El bucanero” Dio a conocer a un actor incomparable: Charles Laughton, inolvidable Nerón en “El signo de la Cruz”.

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El nacimiento del cine y primeros pasos, 6.3 out of 10 based on 3 ratings


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6 comentarios
  1. ¿Todavía crees en la persistencia retiniana?
    estás más pasado que los dinosaurios. A ver si leemos más y nos actualizamos: efecto phi

  2. estan todos locos esto no sirve para nada disculpenme pero no es lo que necesito .bah no es lo que -nadie nesecita hay una palabra q se llama ACTUALIDAD a ver si la usan che!!! aguante la ecologia y a cuidar el mundo porq sino les pego a todos!!

  3. no es broma … TE PEGO!!!

  4. bueno es muy interesante ah chevere
    para asi saber mas del cine…

  5. miren a mi esta informacion me es buena pero hay algo que no me deja hacer la tarea y es que nesecito mas informacion de thomas edison ya que el creo el cine sonoro
    desde ya gracias
    rocio

  6. esta buena la informacion!!! espero q sigan asi m sirve mucho para la facuu!!

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